Triste, solitario y final

 

de Osvaldo Soriano

 

Por Claudio Alejandro Gómez

Género: novela

Primera Edición: 1973

 

¿Puede la parodia, el humor, el policial negro, la experimentación y el mundo del cine mezclarse en una obra literaria? La respuesta es posible de la mano de Triste, solitario y final, obra que llevó a Osvaldo Soriano al reconocimiento y lo inició en una vasta carrera literaria.

Durante la novela nos introducimos en la pantalla del cine, pero desde el lado B del mundo hollywoodense, en los pormenores de reconocidos actores cómicos, galanes, perdedores. Allí, en medio de la meca del mundo del negocio cinematográfico y escenario principal de las novelas policiales negras, un periodista argentino llamado Soriano, escribe e investiga sobre la vida de la pareja cómica más famosa del cine: Stan Laurel y Oliver Hardy. En su periplo se encuentra con Philip Marlowe, famoso detective de las novelas de Raymond Chandler, que ha trabajado para Laurel y que todavía, y siempre, sigue investigando y metiéndose en líos. Juntos protagonizan una de las obras cumbres de la literatura argentina, no sólo por la originalidad, sino también por lo desenfadado e incorrecto que puede llegar a ser sentir que los planos ficcionales se desdoblan a cada paso, como si avanzáramos en un mundo que sólo el mundo literario de Soriano puede desplegar.

Osvaldo Soriano nació en Mar del Plata en enero de 1943. En 1973 publicó su primera novela Triste, solitario y final, traducida a doce idiomas. En 1976, después del golpe de Estado, Soriano se trasladó a Bélgica y luego vivió en París hasta 1984, año en que regresó a Buenos Aires. En 1983 se conoció en Buenos Aires No habra más penas ni olvido, llevada al cine por Héctor Olivera, que ganó el Oso de Plata en el festival de cine de Berlín. En 1983 se publicaron seis ediciones de Cuarteles de invierno, ya considerada la mejor novela extranjera de 1981 en Italia, y llevada dos veces al cine. En 1984 apareció Artistas, locos y criminales, y en 1988 Rebeldes, soñadores y fugitivos, colecciones de textos e historias de vidas. Ese mismo año se publicó A sus plantas rendido un león, la novela de más éxito editorial de los últimos años. Entre 1989 y 1990 escribió Una sombra ya pronto serás, llevada al cine en 1994 una vez más por Héctor Olivera. En 1993 publica Cuentos de los años felices, historias cortas, la mayoría de las cuales aparecieron en el periódico Página/12, del cual Soriano es asiduo colaborador. Las novelas Triste, solitario y final, No habrá más penas ni olvido, Cuarteles de invierno y A sus plantas rendido un león han sido publicadas en veinte países y traducidas a los idiomas inglés, francés, italiano, alemán, portugués, sueco, noruego, holandés, griego, polaco, húngaro, checo, hebreo, danés y ruso. Murió el 29 de enero de 1997 en la Ciudad de Buenos Aires.

 

 

Nota: recomendada para trabajar la cosmovisión cómica o de ruptura y experimentación

 

 

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ESPANTAPÁJAROS

 

DE OLIVERIO GIRONDO

 

 

Por Edgardo González

 

(Para la tercera cosmovisión : literatura de ruptura y experimentación)

 

 

Espantapájaros se ubica en el cruce entre renovación y tradición. La renovación es aire libre, letra móvil, que se adhiere a la incandescencia del lenguaje, en tanto que tradición es pureza fija, letra escondida entre las celdas del sintagma.

El modo de su escritura, las atravesadas imágenes de que se compone nos sitúa en lo nuevo, lo nunca dicho. Así, se puede pensar en el vuelo de una mujer (prosa II), en la contradicción entre la forma burguesa y acostumbrada de vivir, y el inesperado deseo de salir de ella (prosa III), o el estallar del significante cuando se ata a otro significante similar en el sonido (prosa IV).

Por otra parte, el poeta se coloca en la matriz misma del lenguaje, en la irradiación de sus haces de sentido. Desde esta perspectiva es tradición, porque el cogollo del poema se inscribe en la historia vieja que trae acolita cada letra. El significado del texto convoca a los significados anteriores (conservadores, estereotipados) para hacerlos volar y escribir la metáfora en el pozo inesperado que dejan.

Así, Girondo apela al absurdo, al decir que se desdice a sí mismo, a la razón que invita a la sin razón a dar su veredicto universal. Aparece, asimismo, una filosofía monista, donde todo se resuelve en un solo principio (“todo era amor, amor”, prosa VII), como cuando todo tiene una remisión a lo familiar, las cadenas que nos esclavizan a todo lo que existe (“A medida que nuestra existencia se confunde con la existencia de cuanto nos rodea, se intensifica mas el terror de perjudicar a un miembro de la familia”, prosa V). Este valor de lo Uno desaparecerá después para echar mano a lo Múltiple, lo dividido. Hasta aparecerá la personalidad disociada en las muchas personalidades que lo trastornan (prosa 8).

De este modo, en el gusto, en la preferencia del poeta, aparecerá lo contradicho (“Lo que antes me resultaba grotesco o deleznable, ahora me parece sublime”, prosa X) o en el clima luctuoso, pero a la vez intimo y confesional (“Si hubiera sospechado lo que se oye después de muerto, no me suicido”, prosa XI).

Porque “los protagonistas ya no son las cosas sino los mecanismos psíquicos, los instintos, las situaciones de omnipotencia, de agresividad, de sublimación, puestas en acción en textos de un lenguaje expresionista, fáustico” (Enrique Molina).

De la elección de este texto, con los elementos ya apuntados, se inferirán las líneas de trabajo en el aula y en los diferentes contextos.

Para leer la obra, click aquí.

 

La malasangre

 

de Griselda Gambaro

 

Por Ana María Perrota

La Malasangre es el relato de un amor prohibido en el siglo XIX, durante el gobierno de Rosas, etapa agitada de la historia argentina que ayuda a comprender comportamientos y situaciones de la trama.

Esa pasión amorosa entre Dolores y Rafael se enmarca en una sociedad cerrada que designa  lo que está bien o no. La protagonista pese al autoritarismo de su padre vive ese amor censurado.

Desafía al poder y a su vida lujosa, prevaleciendo sus sentimientos ante ese mundo frívolo.

En esta obra teatral se conjugan muchos factores opuestos , el humor negro , el clima de opresión, la humillación, el amor, la soberbia y la injusticia; elementos meramente presentes en determinados períodos históricos argentinos. 

Recomiendo este texto para alumnos de Sexto año de la Escuela secundaria, ya que propone una reflexión acerca de nuestra identidad y solicita un compromiso con la complicidad o la rebelión.

 Aclaración: 

Seleccioné esta obra para la cosmovisión alegórica, dado que se relaciona con el corpus de las otras cosmovisiones de mi planificación anual, cuyo tópico es la identidad argentina e hispanoamericana.El análisis de obras alegóricas aportará estrategias, para que los estudiantes distingan los simbolismos en sus maneras más explícitas o implícitas. En este sentido abordar las obras literarias para la enseñanza de la Literatura en la E.S. posibilitará a los alumnos comprender la realidad y verbalizarla

 

Para leer la obra, click aquí

 

 

 

(Lo absurdo como ruptura)

 

Teatro del absurdo

 

 

Por Gisela Cavanelas

Absurdo es un concepto que identifica al pensamiento ilógico  y a la conducta extravagante. Dentro de la literatura, aparece como un estado filosófico en el que los personajes asumen el carente sentido que tiene la vida y la existencia. El absurdo, no está conformado obligatoriamente por acontecimientos ilógicos, humorísticos o carentes de razón. Se trata de un estado de reflexión y aparente indiferencia que experimentan los personajes y el narrador sobre el acontecimiento sinsentido (absurdo) que les sucede.

El teatro de absurdo surge en Europa con las obras La cantante Calva de Ionesco (1950) y Esperando a Godot de Beckett (1953). Adamov, Pinter, Albee, Arrabal, Pignet son algunos de sus representantes. Tras la segunda guerra mundial y en el contexto de la posguerra, establecieron un retrato desilusionado de un mundo destruido y desgarrado por los conflictos y las ideologías. En Hispanoamérica, el absurdo surge años más tarde, con una peculiaridad: desde su comienzo no han tratado de copiar las formas extranjeras ni se han apartado mucho de los temas tradicionales hispanoamericanos. Se concreta así un absurdo local. El Absurdo en argentina comienza con el estreno de El Desatino (1965) de Griselda Gambaro.  Esta estética se encuentra dentro de lo que Pelletteri denominó neovanguardia absurdista, con autores como Gambao y Pavlovsky , concentrando la actividad artística en el Instituto Torcuato di Tella. El absurdo de Gambaro concentra influencias europeas de Pintler (quien plantea un teatro absurdo del “terror cotidiano”) junto a la tradición teatral argentina, el teatro expresionista de Arlt y el grotesco criollo. Así, forma un absurdo más realista, centrado en lo connotativo, o en el desarrollo de la intriga y no (como en el europeo) concentrándose en el simbolismo. El teatro de absurdo hispanoamericano se vuelve portavoz de un pueblo contra los excesos de los gobiernos totalitarios, la manipulación explotadora y las exigencias éticas; y a su vez confronta la demencia global con una experiencia catártica. No pretende resolver la locura que nos acosa, pero da voz a nuestros terrores; nos reímos de nuestras idiosincrasias colectivas y confrontamos nuestra brutalidad, fanatismo y masoquismo sin hacerle daño a nadie.

 El desatino  de Griselda Gambaro. Un hombre despierta con un aparato extraño en su pierna. Entre el absurdo y el humor veremos como la familia, en vez de ayudarlo, se vuelve hostil y tan ridícula en algunos momentos, y como este personaje se irá dejando morir. 

La cantante calva de Ionesco  es una sátira que exagera algunos aspectos de la vida cotidiana con el fin de demostrar la falta de sentido del personaje.  En El rinoceronte, la obra quizá más conocida de Ionesco, los habitantes de una pequeña ciudad se transforman en rinocerontes.  El personaje principal, prototipo del hombre normal al comienzo de la obra, va siendo apartado de la vida de la pequeña sociedad de su ciudad a medida que lucha contra el conformismo de sus habitantes.  

Los días felices de Beckett. En esta obra,  la protagonista, es una señora de mediana edad que aparece en escena semienterrada en un montículo calcinado, bajo una luz cegadora. Pese a ello, a través de un ritual de gestos cotidianos, encuentra siempre motivos, por insignificantes que sean, para considerar sus "días felices". El rebuscado lenguaje de la protagonista, por ejemplo, refleja especialmente su pérdida de memoria. Otra característica llamativa, única en el teatro de Beckett, es que el personaje recurre constantemente a las citas literarias, las cuales aparecen distorsionadas, al presentarse en fragmentos mal recordados.  El otro personaje de la obra, su esposo Willie, vive obsesionado por el sexo y una postal pornográfica que guarda. Hallándose totalmente separado de su esposa, detrás de su montículo, refleja la ironía situacional de la pieza, pues su deterioro añadido pone de manifiesto la futilidad de los apetitos físicos a los que se aferra.

A puerta cerrada de Jean Paul Sartre La obra se inicia con el Mayordomo conduciendo a un hombre llamado Garcín hacia un cuarto, que la audiencia pronto identifica como el infierno (el infierno puede ser un hotel gigantesco, debido a los "cuartos y pasillos" mencionados en la obra). El cuarto no tiene espejos ni ventanas y sólo cuenta con una puerta, tres sillones, una estatua de bronce y un abrecartas. Finalmente, una mujer, Inés, entra a la habitación de Garcín, y posteriormente otra, Estelle. Después de que ambas ingresen, el Mayordomo sale y la puerta es cerrada con llave. Todos esperan ser torturados, pero no aparece torturador alguno. En lugar de ello, ellos descubren que están ahí para torturarse entre ellos, lo cual parecen estar logrando. Al principio, los tres observan eventos que les conciernen, sucediendo en Tierra, pero finalmente (conforme su conexión con Tierra se desvanece y los vivos prosiguen) son abandonados con sus propios pensamientos y la compañía de los otros dos. Al final de la obra, Garcín exige salir; tras decirlo, la puerta se abre, pero ninguno decide salir, ya que se dan cuenta de que no pueden vivir los unos sin los otros.

Corpus a trabajar:

Historia del teatro argentino en Buenos Aires: la segundamodernidad (1949-1976)

Representantes del teatro del absurdo

El teatro de vanguardia argentino.

El desatino  de Griselda Gambaro.

Los días felices, Esperando a Godot de Samuel Beckett.

La espera trágica de Eduardo Pavlovsky. 

La cantante calva, El rinoceronte de Ionesco.

A puerta cerrada de Jean Paul Sartre.

El arte del absurdo: el dadaísmo: Marcel Duchamp y Man Ray.

 

Cosmigonón de Serú Giran.  Ojo con los Orozco de León Gieco.

 

Harlem shake (fenómeno de internet)

  

 

 

       El humor negro en la Literatura  

 

Por Marcela Amadio
 

 

Aceite de perro    de Ambrose Bierce

El horno   de    Joaquín Gómez Bas

El anciano y los brujos     de Javier Villafañe

El organillo de Jacques Prevert 

Escena para cuatro personajes,  y La cantante calva  de Eugene Ionesco

Un paciente en disminución     de Macedonio Fernández

Mr. Jones o pequeña semblanza de una familia tipo americana   de Charly García (en CONFESIONES DE INVIERNO)

Soneto a tus vísceras  de Baldomero Fernández Moreno

CINE: El cadáver de la novia de Tim Burton

Elegí los textos de humor negro para trabajar esta cosmovisión, debido a que  los alumnos siempre se plantean determinados temas con una risa que no tiene mucho lugar en el contexto.

Dada esta circunstancia, me vi obligada a indagar cuáles eran esas cuestiones ocultas detrás de la risa, y entre ellas es común descubrir los miedos que preocupan a muchos adolescentes, la muerte el amor, la vida, entre otros.

Con este corpus trabajé el humor, desde ese lugar para romper el hielo, y reírse de todo aquello que agobia y reparando en reflexionar acerca de esas cuestiones, desde una postura crítica.

Nota: los textos mencionados en este recorrido están disponibles en esta otra entrada del blog:
http://literaturadesexto.blogspot.com.ar/2013/03/de-que-se-rien.html

                                    
                          ( una novela para la cosmovisión de ruptura y experimentación)

La tregua y el renacer de la felicidad

 

 Por Estefanía Vega

 

        La tregua es la obra del uruguayo Mario Benedetti que obtuvo mayor repercusión en el público. Publicada en 1960, esta novela se enmarca en una literatura que persigue la búsqueda de la verdad de su época.  

        La historia se enfoca  en un  momento en la vida de un hombre de cuarenta y nueve años, viudo, padre de tres hijos y empleado de oficina que, siendo el narrador de la historia, organiza su relato en una  serie de confesiones de diario íntimo. De este modo, comenta y analiza los aspectos salientes  de su devenir diario y de su monótona rutina que, de forma inesperada, se ven amenazados  por una aparición que puede romper con sus esquemas. Así es como una vida vacía y cerca del final, según la percepción de su actor principal, se ve atravesada  por constantes reflexiones, y al recuperar el protagonista su ánimo, debe luchar con su pasado y su presente, sus prejuicios y sus impulsos, sus temores y sus deseos.

         A través del fluir de la conciencia y del monólogo interior, Benedetti da forma a una típica novela experimental del siglo XX  desarrollando con gran profundidad los tópicos del Existencialismo, como el excepticismo, la incomunicación y el aislamiento del individuo.

         Considerada una gran crónica de su tiempo, la obra revela una verdad ligada a los cuestionamientos religiosos, la fragmentación de los lazos familiares y sociales, la ausencia de ambiciones y compromisos, la hipocresía como moneda corriente y el amor como un imposible para el hombre enajenado.  Sin embargo,” la tregua” es una pausa, un paréntesis, un momento diferente, esperanzador, en que el mundo parece detenerse y se abre un nuevo espacio: el de la liberación y la felicidad.

 

                   Click acá para leerla        

 

 

                           

RECORRIDO DE LECTURA PARA SEXTO AÑO: COSMOVISIÓN DE RUPTURA Y EXPERIMENTACIÓN

 

                                                           Por Germán Pazos

El eje temático de estos textos ha sido pensado a partir de la filosofía sobre la existencia, la concepción del Ser y el universo en relación con lo cotidiano y las distintas problemáticas sociales. El objetivo principal es aproximar a los alumnos de sexto año a la lectura de diversos autores que directa o indirectamente hacen referencia a lo existencial en sus textos.

Desde el momento que el hombre toma conciencia de su existir en el mundo y de su participación en el universo, se determina a sí mismo al tiempo que su condicionamiento es el condicionamiento y la determinación de todo lo universal y del resto de la humanidad, la concepción del caos y del orden como una constante en el destino de los hombres en todas las épocas, son los temas y recursos puntuales en la creación artística de los escritores de vanguardia, la influencia social, filosófica y cultural que han ejercido las crisis y las guerras mundiales en la literatura del siglo xx.

Para analizar el tema desde diferentes ópticas en el aula de sexto año se propone la lectura de los siguientes textos literarios:

• Arlt, R. 300 Millones
• Camus, A. El extranjero
• Sábato, E. El túnel
• Sartre, J. P. A puerta cerrada

En intertextualidad con el cine, la música y la pintura:

• Buñuel- Dalí. Un chien andalou (1929)
• Picasso, P. Guernica
• The Cure. Killing an arab